Amy Hilton, Pensées Sédimentaires, Galerie Fatiha Selam Paris

De la constellation qui introduit l’espace d’exposition et lui donne un caractère universel, jusqu’à la peinture murale au fond de la galerie qui nous amène au cœur de la matière, l’exposition d’Amy Hilton à la Galerie Fatiha Selam, est conçue comme un parcours nous faisant accéder à l’intériorité de l’artiste, à la manière dont elle devient, par sa capacité à mobiliser ses sens, le réceptacle de cette grande mécanique céleste dont chaque élément se fait l’écho.
Amy Hilton fait partie de ces artistes qui gardent un lien essentiel avec la matière, avec ces éléments qui nous constituent. Un accrochage avec des œuvres accrochés très hautes, posées à terre, isolées ou formant un ensemble, pensé comme une double page de Un coup de dés jamais n’abolira le hasard de Mallarmé, inspirée de la philosophie de Locke et de ses continuateurs. Le point de départ du travail d’Amy Hilton est une expérience de la matière, la rencontre avec les éléments. Elle-même parle d' »expérimentations », celles même qui nourrissent l’âme.
Percevoir, sentir le monde afin de retranscrire cette émotion d’une manière plastique, témoigne d’une forme d’authenticité du geste artistique tout en ne laissant pas la trace de la main, ou de la brosse du pinceau. Elle « aime ce côté un peu mystérieux de la nature que l’on ne peut ni forcément saisir ni comprendre, mais dont on ressent la présence. » 

N’y a-t-il pas dans l’accrochage que tu nous proposes une invitation à accéder à une intériorité ?

Je pense profondément que toute création vient de l’âme. L’exposition est introduite par une composition de la série Constellation très minimaliste qui, accrochée très haut, donne une impression aérienne et musicale. Le visiteur rencontre ensuite des formes minérales réalisées à l’aquarelle, avant de s’enfoncer au cœur d’une grotte matérialisant le moi profond, réceptacle où se concentrent des forces de l’univers et où les éléments se réunissent pour former un tout. Je voulais vraiment donner le sentiment de rentrer toujours plus avant dans l’espace, de penser et de rêver plus profondément. Une façon de ressentir intensément les forces qui nous animent et qui président à ce cosmos dont nous faisons partie.

Un accrochage qui permet de développer une sorte d’harmonie…

Précisément. La disposition des œuvres répond à cette vision harmonieuse, musicale que nous offre Un Coup de dé n’abolira jamais le hasard . Et mes œuvres Constellation sont aussi un hommage au poème de Mallarmé. Je tente de montrer ce lien unissant les éléments, de rendre compte d’un équilibre dans l’ordre des choses. De la même manière, je tisse des liens invisibles entre les pastels, dessins et aquarelles. Je suis très sensible aux écrits de Gaston Bachelard, à la manière dont il montre comment l’imagination est connectée aux éléments, comment ceux-ci la nourrissent. Une de mes pièces fait allusion de manière très directe à sa « rêverie cristalline ». La manifestation de toute vie se fait au travers de la musique. J’accorde à la musique de la nature et des éléments une grande importance. Je suis sensible aussi à une musique très minimaliste sans doute parce que je joue du piano d’une manière très spontanée, sensitive, sans savoir lire les partitions. Je place des notes dans l’espace, comme autant de coups de dé. De même, dans la série Written on the sky je pose des points sur des portées.

Quel est le point de départ de ce besoin d’établir des connexions ?

Un des points de départ de mon travail est une pierre oblonde cassée en son milieu que j’ai trouvée un jour sur une plage. Elle est la définition même du symbole. J’ai écrit lors mes études littéraires sur cette idée du tout et de la partie, et de la façon dont on perçoit le monde aujourd’hui. A-t-on toujours cet esprit cartésien ou, dans notre façon de créer des abstractions , est-on passé à quelque chose de plus holistique, plus entier avec une vision plus unifiée sur les choses ? Cette pierre reliait pour moi l’homme et la nature, le corps et l’esprit. Elle a enclenché tout un questionnement fondamental qui me permettait de trouver des petites réponses aux grandes questions, une réflexion sur l’ontologie de l’existence.

Tes aquarelles font-elles aussi référence à cette pierre ?

En répétant sa forme ronde dans mes premières aquarelles, j’ai transposé l’esprit de la pierre coupée comme une pierre de rêve qui porterait en elle tout un univers. C’est quelque chose que l’on retrouve dans plusieurs cultures. De même, mes aquarelles peuvent évoquer des paysages, des formes qui, par leur caractère très abstrait, laissent une part importante à l’imaginaire. On y retrouve les lignes qui recréent les fragments de la pierre. Ces aquarelles sont une invitation au songe et nous laissent imaginer des choses au-delà de ce qui est perçu. Beaucoup de réponses à mes questionnements sont vraiment inscrites dans les pierres. Ne flottons pas nous-même sur une grande pierre ? Cette conception m’aide à être moins mélancolique.

N’y retrouve-t-on pas aussi les éléments qui sont à la source de toutes choses ?

En effet, y est présente l’eau par le caractère aqueux de ce médium, la terre dans les tons et ces veinages qui rappellent la fragmentation de la pierre, l’air par des irisations à la surface du papier, le feu dans l’utilisation du charbon… Alors que certaines parties sont très lumineuses, d’autres nous entraînent dans la profondeur de la faille. J’aime présenter ces aquarelles non encadrées et je me refuse à les maroufler. Je préfère qu’elles respirent, et qu’elles prennent naturellement leur forme sous l’effet de l’eau.

Peut-on dire que tes pastels et marbres forment des diptyques ?

Cette idée de diptyque est très importante car les fragments de marbre forment chacun avec le pastel qui est associé un ensemble qui fait oeuvre. Les deux sont nécessaires pour pouvoir parler d’une totalité. Je récupère des morceaux de marbre qui sont pour moi des sortes de poèmes parce qu’il y a toujours cette idée de lire les pierres. Je pense à Roger Callois qui est un grand poète des pierres, à Victor Hugo un grand poète des rochers. Ces marbres nous offrent tellement de choses à lire que l’on a presque l’impression de pouvoir rentrer à l’intérieur. Ils concentrent une énergie, une lumière que je retranscris sur papier.

Tu es sensible à ce caractère vivant du marbre, cette pierre que l’on dit « métamorphique » dont ses couleurs proviennent d’oxydes…

Oui tout à fait. L’utilisation de pastels m’a permis d’expérimenter cette multitude de variations de couleurs présentes dans le marbre. Ils relèvent de la terre avec ces tons mats et je peux en travailler les nuances avec des pastels de couleurs différentes et créer un lien très fort entre le fragment de marbre et le pastel sur papier, au point qu’ils paraissent indissociables. J’essaye de leur donner la même intensité, de rendre compte de cette vie qui anime la matière.

Texte Point contemporain © 2017

Visuels tous droits réservés. Courtesy Galerie Fatiha Selam.