[EN DIRECT] here / there / where – Jean Dupuy, Matias Faldbakken et Steven Parrino – FRAC Bourgogne

Depuis le 6 mai et jusqu’au 6 novembre, le FRAC Bourgogne propose here / there / where, exposition collective rassemblant des œuvres de Jean Dupuy, Matias Faldbakken et Steven Parrino, issues des collections publiques des FRAC Bourgogne et Nord – Pas de Calais, et du Consortium, centre d’art. Les pratiques des trois artistes se réunissent autour de la notion de radicalité, dont Mathias Faldbakken s’en fait de premier abord le plus représentatif.
Par Laëtitia Toulout.

Mathias Faldbakken découpe, compresse, lacère, soude, comprime, usant tout le champ lexical de la violence envers la matière. De manière aléatoire et sans plan préétabli en apparence, il donne pour maître sa main d’artiste, généralement outillée d’une scie électrique lors de l’élaboration de l’œuvre. La création nait de la destruction, l’œuvre devient objet d’art par le fait même de sa propre dégradation, aussi peu subtile soit elle.

Vue de l’exposition « here / there / where » aux Bains du Nord – FRAC Bourgogne – 2016 Avec les artistes Jean Dupuy, Matias Faldbakken et Steven Parrino - Crédits photos FRAC Bourgogne, 2016 — Vue de l’exposition « here / there / where » aux Bains du Nord – FRAC Bourgogne – 2016 Avec les artistes Jean Dupuy, Matias Faldbakken et Steven Parrino – Crédits photos FRAC Bourgogne, 2016

La fin de l’objet utilitaire est aussi le début de l’objet pictural, artistique, qu’il s’agisse d’un ensemble de frigos, mis en bloc puis lacérés (Fridges cut, 2013), ou de sac poubelles collés, comprimés, et marqués au feutre comme dans la suite d’œuvres Untitled (Garbage Bag)¹.

Mathias Faldbakken rompt avec les objets issus de la société de la consommation. Prenant le capitalisme à pied-de-nez, il rend ses objets inutiles, ses symboles invalides. Son geste renvoie au vandalisme et à la sociologie de la rue, qu’il renvoie et détourne au monde de l’art. Au lieu de devenir épave, l’objet se dote d’une dimension esthétique et d’un contexte artistique indéniables.

Les objets ne sont pas seulement saccagés, de nouvelles formes leur sont initiées. Plastiques, acier, se figent d’un geste. Ils parlent en silence. Les coups, martèlements, fissures, deviennent des rythmes au sein d’une vision très picturale des installations. Celles-ci résonnent visuellement dans les white cube qui les accueillent. Le lieu, immaculé et muet, devient central dans le discours des œuvres, de même que les publics qui font une expérience directe, frontale, du rapport à l’objet. Ce dernier prend la place, dans l’exposition, du dernier témoin, de l’ultime victime d’une froide brutalité antérieurement actionnée. La présence même de l’objet fait appréhender l’existence du geste passé.

A priori, les publics partagent l’expérience du capitalisme et de consumérisme que tente d’anéantir l’artiste de son geste appropriatif. Le geste est marginal mais prend toute son acception dans le double contexte du domaine artistique et de la critique d’un monde moderne qui se fond dans la consommation, dans toute son absurdité et son autorité. En brutalisant des objets, l’artiste se les approprie, les arrache d’un contexte quotidien. Les basculant dans le musée, il en fait des vestiges du présent, vestiges qu’il propose aux publics de se réapproprier à leur tour. Au sein d’un rapport tridimensionnel entre l’artiste, l’œuvre, et les publics, ces derniers se font finalement complices des actes de vandalisme dont ils en appréhendent l’abandon.